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A principios de abril, revisé el EK 275 Conquest . Es una PC para juegos construida con refrigeración líquida personalizada, que generó años de conceptos erróneos, malos consejos e ideas obsoletas sobre la refrigeración líquida personalizada y lo que podría hacerle al hardware. ¿Qué pasa si hay una fuga? ¿Qué pasa si un accesorio no se coloca correctamente? ¿Qué sucede si necesito desarmar el lazo para solucionar un problema?

Rápidamente aprendí que no tenía nada de qué preocuparme.

El Conquest fue notablemente fácil de configurar y, unas pocas horas después de usarlo, tenía un carrito de compras lleno de piezas para mi propio bucle personalizado. Es un pasatiempo que ha recorrido un largo camino para los recién llegados, así que me senté con Attila Gober, gerente senior de marketing de productos de EK, para comprender los conceptos erróneos comunes sobre la refrigeración líquida, cómo la industria la ha hecho más accesible y cómo el proceso no funciona. No tiene que ser aterrador.

Conceptos erróneos sobre la refrigeración líquida personalizada

Hay muchos conceptos erróneos sobre la refrigeración líquida personalizada, y tiene sentido. Está poniendo agua junto a componentes que cuestan miles de dólares, lo cual es ideal para especulaciones y suposiciones. Según Gober, la mayoría de esos conceptos erróneos son erróneos o están muy equivocados.

Comencemos con el agua y la idea de que podría arruinar sus componentes. Las PC refrigeradas por líquido no usan, o al menos no deberían, usar solo agua. Empresas como EK y Mayhems venden refrigerantes dedicados, que se componen de múltiples productos químicos que evitan el crecimiento de algas y la oxidación, entre otras protecciones. A diferencia del agua pura, no son eléctricamente conductores, al menos inicialmente.

“Todos los refrigerantes que se fabrican son no conductores. Cuando los pones en tu circuito, es cuando el líquido se vuelve conductor”, dijo Gober. Es el proceso del roce del líquido contra el metal en su circuito lo que lo hace conductor, por lo que el único riesgo proviene de fugas descuidadas días o incluso semanas después de que el circuito haya estado funcionando. Gober dice que las fugas y los derrames menores de antemano no son motivo de gran preocupación. “Déjalo secar, déjalo por un día o incluso más, y tienes un 99 % de posibilidades de que todo salga bien”.

El otro concepto erróneo importante es el mantenimiento. Gober dice que este es el "concepto erróneo principal" que ha encontrado, porque el enfriamiento líquido personalizado no requiere mucho mantenimiento, suponiendo que su circuito funcione correctamente. EK recomienda reemplazar su refrigerante una vez al año. Eso es menos que la mayoría de las PC refrigeradas por aire.

Gober compartió una experiencia personal en este frente: “Incluso cuando tenía una PC totalmente refrigerada por aire con 12 ventiladores Noctua, estaba limpiando mis filtros y desempolvando mi PC cada pocos meses”.

Eso no quiere decir que la refrigeración líquida personalizada sea fácil. Aunque el mantenimiento básico es mucho menor de lo que pueden suponer los nuevos constructores, un bucle personalizado hace que sea más difícil acceder a su hardware en caso de que haya un problema. “Por eso es importante probar siempre el hardware antes de instalar refrigeración líquida”, dijo Gober.

Facilitando el proceso

El enfriamiento líquido personalizado ha existido durante décadas, pero los conceptos erróneos no son lo único que ha frenado los posibles enfriadores líquidos personalizados. Ha sido un proceso lento, pero la industria de la refrigeración líquida ha estado presionando para que el proceso sea más fácil y atractivo para los recién llegados.

“EK y toda la industria han estado trabajando para lograr esto, que sea más fácil para todos ingresar al enfriamiento líquido de circuito personalizado sin todos los temores y percances”, dijo Gober. Un ejemplo de eso es el Probador de fugas de EK, que es una pequeña herramienta que puede señalar fugas en su circuito antes de poner líquido. EK no está solo aquí, con compañías como PrimoChill que venden medidores de presión para detectar fugas.

Para evitar la venta agresiva, Gober proporcionó una alternativa gratuita de bricolaje: simplemente soplar a través del circuito como lo han hecho los enfriadores de líquidos personalizados durante años.

La cantidad de productos de refrigeración líquida personalizados también ha crecido significativamente, lo que permite un hardware más diverso y una instalación más sencilla. El gabinete dinámico PC-011 de Lian Li, entre los mejores gabinetes para PC que puede comprar, tiene placas de distribución dedicadas disponibles, por ejemplo. “Incluso cambiar su refrigerante hoy en día es mucho más seguro porque tiene placas de interrupción, más puertos para drenar”, dijo Gober.

Para ver hasta dónde ha llegado la refrigeración líquida personalizada, es bueno mirar hacia atrás. Gober compartió que su primera introducción al enfriamiento líquido implicó el uso de Bluestone, una mezcla de sulfato de cobre que se usa como desinfectante. Ahora, no solo se pueden comprar refrigerantes dedicados, sino que también cuentan con el respaldo del soporte.

“La forma en que obtuvo esta información importante fue en foros y cosas por el estilo, pero hoy en día, los fabricantes tienen cosas como, 'compre esto y si algo está mal, entonces tiene nuestro apoyo'”, dijo.

El trabajo tampoco ha terminado todavía. EK se encuentra actualmente en el proceso de lanzar su línea de productos Matrix 7, que será un estándar para la refrigeración líquida personalizada que debería facilitar el emparejamiento de su hardware de refrigeración líquida con el hardware de su PC.

Espacio para el error

Gober compartió algo de aliento para los nuevos constructores que pueden asustarse con el enfriamiento líquido personalizado. Dijo que “ni siquiera los constructores nuevos, en realidad los veteranos” cometen la mayor parte de los errores, que por lo general se reducen a no leer el manual o hacer la debida diligencia durante el proceso de construcción.

Señaló un ejemplo de un constructor que instala un bloque de GPU separado de un circuito de líquido y se queja de sobrecalentamiento, así como usuarios que instalan tubos de manera que el líquido no circule por todo el bloque. “Estas son las cosas básicas, como, si no entiendes, tienes que leer el manual”.

La refrigeración líquida personalizada no es fácil y está lejos de ser simple. Pero los entusiastas que están interesados ​​en el hobby tienen mucho espacio y recursos para corregir errores antes de que sean perjudiciales. En el caso de una fuga, por ejemplo, Gober dice que surgen principalmente cuando el constructor no prestó suficiente atención. “Cada vez que tuve una fuga, fue mi culpa porque no revisé”

No imposible

El enfriamiento líquido personalizado no es para todos, y Gober lo reconoció. Es para profesionales que quieren aprovechar al máximo su hardware, así como para entusiastas que solo quieren un poco de glamour para Instagram. “Me gusta comparar la escena del automóvil con la escena del enfriamiento líquido”, dijo Gober. “¿Realmente tienes que tener accesorios rojos y verdes? No, no lo haces. ¿Tienes que tener ruedas grandes en tu coche? No no no. Pero alguien puede querer un buen auto y decirle al mundo, 'este es mi auto'”.

Si eres principiante y quieres adentrarte en el mundo de la refrigeración líquida personalizada, este es solo el primer paso. Hay mucha investigación, lectura y preguntas involucradas. Pero no es una tarea tan desalentadora como lo era antes, y eso es genial para los constructores de PC que quieren hacer que su construcción se destaque.

Si bien las barras de sonido han reemplazado a los parlantes de TV tradicionales en muchas salas de estar, todavía no tienen mucho sentido en la configuración de una computadora de escritorio. Es un desafío de diseño, ya que el diseño estándar de una barra de sonido enviaría audio a sus hombros debido a lo cerca que normalmente nos sentamos del monitor.

Pero un YouTuber asumió recientemente el desafío de construir una barra de sonido que fuera más adecuada para usar con una PC. Su propio diseño está destinado a ser una plataforma para el hogar que sea a la vez elegante y funcional para una configuración de PC, que es donde se diferencia de otras barras de sonido de PC.

El video ofrece un resumen general de cómo diseñó y construyó una barra de sonido de bricolaje que es ideal para una configuración de computadora, con parlantes ubicados en lados opuestos de la plataforma y ligeramente inclinados hacia arriba, dirigidos hacia la cabeza y las orejas.

El YouTuber notó que una barra de sonido colocada en un escritorio dispararía audio al cofre, lo que no sería la mejor experiencia de sonido. Por su parte, el subwoofer se ubica longitudinalmente, en la repisa que conecta los dos estéreos.

La barra de sonido, que está hecha de piso de madera recuperada, también funciona como soporte de monitor y gabinete para guardar el teclado y otros periféricos. La configuración también cuenta con luces LED en la cabina, además de un concentrador USB para la inclusión de puertos.

Con los materiales utilizados en su mayoría de bajo precio, esta barra de sonido compatible con computadora de bricolaje cuesta entre £ 180 y £ 250 ($ 230 y $ 320) para construir. Si bien las barras de sonido pueden variar en precio, Matt de DIY Perks señala que un sistema de sonido profesional puede costar alrededor de $1,200.

Muchos de los componentes de este proyecto, incluidos el subwoofer, los tweeters, los controladores, el amplificador, los LED, la canalización LED y el DAC, se compraron en Amazon.com y Ebay.com.

DIY Perks planea compartir pronto una versión extendida del proyecto en la que detallará exactamente cómo armó la barra de sonido compatible con PC.

Como sugiere su título, Everything Everywhere All at Once está en todas partes en estos días. La película, del dúo de guionistas y directores Dan Kwan y Daniel Scheinert, presenta a Michelle Yeoh ( Crouching Tiger, Hidden Dragon ) como una mujer que se encuentra atrapada en una aventura salvaje a través del multiverso, y se ha convertido rápidamente en un gran éxito con su mezcla de acción coreografiada por expertos, comedia escandalosa y emoción sincera.

Además de convertirse en otro éxito de taquilla para el estudio de cine independiente A24, Everything Everywhere se destaca por su enfoque único y a pequeña escala de la realización cinematográfica, con Kwan y Scheinert (conocidos colectivamente como "The Daniels") optando por no traer un gran visual. estudio de efectos para manejar la variedad de elementos surrealistas de la película y secuencias (aparentemente) impulsadas por efectos. En cambio, la pareja reunió a un pequeño equipo (solo siete personas están acreditadas por los efectos visuales de la película) dirigidos por el supervisor de efectos visuales Zak Stoltz ( Brearate ). Se unió a él en el equipo el artista principal de efectos visuales Ethan Feldbau ( Ghost Ghirls ), quien trabajó con los dos Daniels y Stoltz en proyectos anteriores.

Digital Trends habló con Stoltz y Feldbau sobre cómo lograron que el enfoque a pequeña escala funcionara para la gran visión de Daniels para Everything Everywhere All at Once , y cómo es ver que la película independiente logra un éxito tan inesperado, pero bien merecido, entre Audiencias generales.

Digital Trends: Everything Everywhere podría tener una de las listas más cortas de créditos de efectos visuales de cualquier película en la que haya entrevistado al equipo de VFX. ¿Fue intencional mantener el equipo pequeño?

Zak Stoltz: Debo decir que, hacia el final [de la postproducción], realmente pensamos: "¿Necesitamos incorporar a más personas? ¡Si lo hacemos, la lista se hará más grande!”. Pero fue una decisión consciente mantenerlo realmente pequeño, y también era algo funcional. Originalmente, Dan y Daniel acudieron a mí para dirigir los efectos visuales de esta película porque en realidad no les gustaba trabajar con una casa [de posproducción] más grande. Querían asegurarse de tener una conexión más íntima con los artistas y poder ayudar en algunas de las cosas ellos mismos. En [su película de 2016] Swiss Army Man , trabajaron con una empresa de correos más grande y no les encantó la experiencia. Terminaron haciendo muchos efectos ellos mismos. Entonces, pensaron: "¿Por qué no hacerlo todo [en esta película] como esta cosa más pequeña de bricolaje?" Y luego Ethan fue la primera persona que contraté.

Ethan Feldbau: Zak fue el primero en ser contratado, como supervisor de efectos visuales, y luego me contrató a mí. Pero trabajé en el pasado con los Daniels como diseñador de producción para algunos de sus videos anteriores. También fuimos juntos a la universidad. Acababa de terminar de trabajar con Zak en uno de sus propios programas, llamado Breakarate , como artista de efectos visuales. … Así fue como empezó todo: Solo nosotros dos. Zak fue el supervisor de VFX, averiguando cómo organizar, administrar, ofertar, programar, procesar, contratar y pensar en la logística. Tengo experiencia como director de arte. Entonces, durante un tiempo, pude hacer una gran cantidad de conceptos con este pequeño equipo para descubrir cómo tomar las palabras del guión y hacerlas visuales.

Y luego la producción se apagó justo cuando estaban completando el rodaje debido al confinamiento. De hecho, eso nos dio algo de tiempo extra para ser un equipo muy pequeño mientras todos averiguaban cómo seguir adelante con la película.

La producción de efectos visuales a menudo implica mucha delegación de trabajo en ciertos elementos, pero no tenía mucha gente a quien delegar. ¿Cómo moldeó eso su enfoque del trabajo?

Stoltz: Bueno, una gran parte de que fuera así, es que no teníamos dinero. Esa era la gran tarea que tenía que resolver. Ethan será el primero en decirte que me volví un poco intolerable antes de que finalmente aprendiera a soltar y dejar que las cosas fueran como iban a ser. [Inicialmente,] fue como, “Está bien, ¿podemos darnos el lujo de tener una tercera persona durante una semana? ¿Podemos darnos el lujo de hacer esto o aquello? … Había una cantidad separada [de financiación] que se había reservado en caso de que este proceso no funcionara para que pudieran ir a una compañía de VFX más grande, pero dijimos: “No, lo tenemos”, y terminó quedándose todo en casa. Entonces, hubo un poco de riesgo involucrado en la forma en que lo hicimos, pero terminamos demostrando que podía funcionar. Entonces, fue un experimento exitoso.

Feldbau: Hace 10 años, estaba trabajando en una casa de postproducción comercial en Boston en The Proposal con Sandra Bullock y Ryan Reynolds. La película tenía un equipo de efectos visuales de cinco personas, del mismo tamaño que nuestra película, pero para una película que no era para nada intensiva en efectos visuales. En esta película, Zak se encontró con una película muy intensiva en efectos visuales que quiere hacerse íntimamente, como lo fueron los videos musicales de Daniels, con un grupo de amigos trabajando juntos. El desafío era: ¿cómo escalar de manera realista ese proceso íntimo sin un departamento de efectos visuales estructurado y de varios niveles y todos los intermediarios que generalmente ocurren en una película? Fue dificil.

Un elemento que un gran estudio de VFX normalmente traería a la mesa es el tipo de recursos informáticos necesarios para procesar y renderizar los archivos de video masivos para una película como esta. ¿Cómo manejaste ese aspecto del proceso?

Feldbau: Bueno, definitivamente puedo decir que esta película no podría haberse hecho de esta manera hace diez años. … No podría haberse sentado en casa con una estación de trabajo económica y haber creado imágenes 4K rápidamente. Simplemente no podría haber sucedido. Pero, la tecnología ha cambiado. Zak fue brillante al armar las estaciones de trabajo apropiadas para nosotros con nuestro modesto presupuesto. Eso fue muy importante. Y además de eso está el hecho de que, debido a que teníamos un poco de taquigrafía al trabajar con los Daniels y conocíamos sus peculiaridades y procesos de improvisación, y también lo que buscaban con esto, pudimos trabajar más rápido que si tuviéramos que entrenar. todo un grupo sobre cómo debería verse todo.

Stoltz: Sí, como era un grupo pequeño, no fue difícil estar en sintonía. Podría subirme a un Zoom con cuatro personas y decir: "Así es como vamos a hacer esto". Tuvimos mucho show-and-tell en las mañanas. Pero Ethan y yo, nuestros caminos en la postproducción han sido muy diferentes. Nunca he trabajado con una casa de correos más grande. Yo solo he hecho efectos visuales, porque los necesitaba para mis propios proyectos. … También trabajé en cuatro o cinco de los videos musicales de Daniels, y codirigimos un video musical juntos. Ha sido una relación larga. Entonces, fue más fácil para mí entrar en esto con un equipo pequeño.

Era como una ignorancia útil sobre cómo sería el proceso con un equipo más grande. Pensé: "Oh, tenemos un equipo pequeño, así que haremos lo que solemos hacer, ¡pero para una película!" Y nos quedamos con lo que sabíamos y aprendimos las cosas que no sabíamos, porque eso es lo que siempre hemos hecho. En cuanto a cosas como renders, configuramos un proceso basado en lo que teníamos disponible. Decíamos: "Configure cosas para renderizar durante la noche cuando haya terminado de trabajar", y luego lo resolveríamos por la mañana. ¿Cuál fue tu render más largo, Ethan?

Feldbau: Fueron como 30 horas o algo así.

Stoltz: Entonces, con algo así, fue como, "Está bien, ese es uno de fin de semana". Se trataba de conocer las limitaciones que teníamos y trabajar dentro de esas limitaciones. Escuchas eso todo el tiempo: puedes hacer las mejores cosas cuando trabajas dentro de tus limitaciones en lugar de tratar de hacer todo lo que quieres hacer. Por lo tanto, muchos de los efectos en esta película parecen mucho más grandes, pero en realidad se crearon de formas mucho más simples de lo que lo haría en una canalización tradicional.

Había muy poco CG, por ejemplo. El "todo bagel" era un elemento renderizado previamente que se componía en la toma, con un montón de efectos 2D superpuestos en la parte superior. El bagel principal que usamos a lo largo de la película fue solo un elemento que reutilizamos una y otra vez. Simplemente lo modificamos de muchas maneras para que se sintiera diferente.

¿Hubo algunos tiros que desafiaron a su pequeño equipo más que otros?

Feldbau: Sí, y algunas de ellas podrían no ser las tomas que esperabas, porque los efectos son bastante invisibles. La película nos permitió ser un poco imperfectos con nuestra física, un poco imperfectos con la forma en que se hizo. A menudo citaba Quién engañó a Roger Rabbit de Robert Zemeckis como una caricatura de acción real que tenía cualidades como nuestra película: hecha a mano, sin computadoras, como un proyecto en el que tenían el aspecto correcto, y eso es todo lo que realmente necesitabas.

Por ejemplo, hice una pintura mate relativamente sencilla del edificio del IRS en 2D. Normalmente harías esta toma en 3D, pero en el momento en que lo necesitábamos, estábamos muy preocupados por el presupuesto y estábamos tratando de ser mínimos con nuestro equipo. Lo intenté en 2D, casi como una pintura dibujada a mano.

Stoltz: Por cierto, esta es la toma en la que vamos hacia el exterior del edificio del IRS, y la cámara se inclina hacia arriba y ves todo el edificio y el cielo. Era solo un edificio de un piso [donde se filmó], por lo que todo lo que estaba encima era una pintura mate.

Feldbau: Exactamente. Y pensamos: “Sí, se puede subcontratar. Se podría hacer en 3D. Pero el encierro es nuevo y todos estamos pasando el rato en casa de todos modos”. Entonces, en ese momento, fue rentable para mí pasar tres días pasando el rato en Photoshop, creando este edificio. Esa era una mentalidad apropiada para ese elemento. Y aunque la pintura mate no es tan perfecta como lo haría una computadora, la calidad de dibujos animados de acción en vivo de la película permite que funcione. … Estas experiencias y experimentos de alguna manera abrieron una conversación al hacer esta película, que a veces tu primer pensamiento sobre cómo lograr un efecto no es la única forma de hacerlo.

Pensé que era interesante notar que casi todos los que aparecen en los créditos de efectos visuales de la película han dirigido cortometrajes o videos musicales. Eso no es común, en mi experiencia.

Stoltz: Todos los que hicieron efectos visuales en esta película también son directores. Todos hemos dirigido cosas, y no solo algo en la escuela secundaria. Todos hemos dirigido profesionalmente. Entonces, tenemos este sentido de confianza el uno en el otro para saber que si le damos algo a alguien, no es como si solo hubiera conocido el sistema típico de recibir un tiro, hacer una parte y seguir adelante. Todos somos personas que hemos tenido que encontrar soluciones a problemas realmente difíciles mientras trabajábamos en nuestros propios proyectos. Darme cuenta de que eventualmente marcó el tono para el resto de la película para mí, y pude relajarme un poco más sobre el tiempo y el presupuesto.

Este es el tipo de película en la que es difícil averiguar dónde están los efectos visuales y qué se hace en la práctica. ¿Eso también aprovechó sus puntos fuertes, como artistas de VFX y como parte de un equipo tan pequeño?

Stoltz: Sí, la única razón por la que pudimos hacerlo con un equipo pequeño es que así funciona con los Daniels. Ninguno de nosotros entra en un proyecto pensando: "Oh, solo haz esos efectos visuales" o "Podemos hacer todo eso en efectos visuales". Cada vez que alguien viene a mí con un trabajo, tiendo a decir: "¿Puedes hacerlo prácticamente en su lugar?" Requiere muchas conversaciones. … Siempre comienza con una base práctica, y luego se mejora con efectos visuales según sea necesario. “Racacoonie” [el mapache bajo el sombrero de chef] es uno que me viene a la mente con el que no hicimos nada. No hubo efectos visuales en Racacoonie.

¿Hay alguna toma de VFX de la que estés particularmente orgulloso en la película? ¿Tienes una escena favorita en la que trabajaste?

Feldbau: Seguro que sí. Tengo que hacer la toma del guardia de seguridad que se acerca a los cubículos con las piernas abiertas y… aterriza. Conoces el tiro. El águila realmente aterrizó con ese. Ese tiro es el placer de la multitud. Es el momento al que vas al teatro y escuchas a todos reaccionar ante él. Qué suerte que nadie más estuviera tan emocionado de tomarlo, y que estará allí para puntuar mi rollo de efectos para siempre.

Stoltz: Sabía que te encantaría hacer ese, ¡así que te lo di!

Feldbau: ¡ Gracias, Zak! Eso fue realmente un regalo.

Stoltz: Para mí, fue el momento cerca del final cuando el bagel ingresa al edificio del IRS. Estuve mirando esa toma por… Guau, ni siquiera lo sé. Ese tiro tomó mucho tiempo. Había tantos elementos. La cámara pasa a través de sus ojos, y luego están todas estas personas que en realidad no estaban allí pero que fueron filmadas en una pantalla verde más tarde, y luego tuvimos que descubrir qué estaba haciendo el bagel una vez que lo presentamos. Empecé esa toma seis meses antes de que estuviera realmente terminada.

Estábamos creando muchos efectos mientras editaban la película, por lo que fue un proceso muy largo, creativo, frustrante pero también satisfactorio de iterar cosas y tener 30 versiones de una toma antes de decir: "Está bien, esto es bueno". .” Parte de eso se estaba acabando el tiempo, como, "Esto es bueno, pero ¿puede ser mejor?" Seguimos adelante tanto como pudimos. El arte nunca se acaba, solo se abandona , ¿no?

¿Cómo ha sido para ti ver la respuesta positiva a la película después de trabajar en ella durante tanto tiempo y tan de cerca?

Feldbau: Ha sido increíble. Hace poco le dije a Zak: “¡Esto debe ser lo que Rebecca Black sintió cuando el viernes se convirtió en algo importante!”.

Guau. No esperaba una mención de Rebecca Black en esta entrevista.

Feldbau: ¿Verdad? Pero vivimos esta película. Comenzamos con esto en noviembre de 2019, y estuve aislado durante tanto tiempo. Me mantuvo durante el aislamiento de la pandemia, por lo que fue una parte muy importante de mi vida. No lo estás haciendo para llamar la atención. Solo te estás enfocando en cómo hacer que hable claramente y cómo hacer que funcione. Este ha sido mi primer momento de algo en lo que he trabajado saliendo y haciendo que todos hablen sobre los detalles de nuestra participación. Ha sido muy agradable, y he recibido muchos elogios.

Stoltz: Es raro, porque he estado fuera de las redes sociales por un tiempo, y ahora siento esta intensa presión de volver y decir, “Oh, hola… ¿fans? ¿Tengo fans?” Es una cosa rara, pero también es genial. Disfruto viendo los artículos que salen o escuchando: “¡Oh, es una locura que hayan hecho esto con cinco personas!”. Tuvimos algunas personas más que ayudaron, pero realmente fueron alrededor de cinco personas que hicieron más del 80 por ciento de más de 500 tiros. Entonces, es una experiencia salvaje y también muy gratificante, porque siempre quisimos que eso fuera parte de la historia.

Cuando salió la película por primera vez, no había mucha gente hablando de ella, pero ahora es como, "¡Oh, genial, nos ven!" Sentimos que hicimos un buen trabajo y es algo impresionante lo que siempre pensamos que era impresionante. Me alegro de que otras personas lo reconozcan, porque es algo que fue realmente difícil de crear, y hace que todo valga la pena.

Everything Everywhere All at Once de Dan Kwan y Daniel Scheinert se encuentra actualmente en los cines.

Nadie puede cambiar el pasado. Lo mejor que podemos esperar es cambiar el presente y el futuro. Pero, ¿y si el pasado no fuera un lugar inalcanzable en el espacio y el tiempo? La próxima película Press Play es un romance de ciencia ficción que le da a una mujer la oportunidad de retroceder en el tiempo y evitar una tragedia. Sin embargo, es mucho más fácil decirlo que hacerlo. Y puede haber graves consecuencias si tiene éxito.

El primer tráiler de Press Play presenta a Laura y Harrison, una pareja joven que está muy enamorada. Han cumplido muchos objetivos de pareja, incluido navegar juntos y hacer mixtapes el uno para el otro. Pero los días felices llegan a su fin cuando Harrison muere en un accidente. En su dolor, Laura descubre que el mixtape puede transportar su mente al momento literal en que ella y Harrison escucharon la canción por primera vez. Esa es su oportunidad de cambiar todo si puede convencer a Harrison de que ella realmente es del futuro.

Naturalmente, hay complicaciones. En al menos uno de los viajes de Laura al pasado, Harrison no parece conocerla en absoluto. En otro período de tiempo, Harrison parece haber aceptado la idea de que Laura está diciendo la verdad. Y, sin embargo, incluso si se advierte a Harrison con anticipación, puede que no sea suficiente para cambiar el flujo de la historia. El enigmático hombre conocido como Cooper parece estar familiarizado con los entresijos de los viajes en el tiempo, y su advertencia a Laura es muy contundente.

Aquí está la sinopsis oficial de la película:

“Laura y Harrison tienen el romance perfecto construido sobre la base de un amor compartido por la música. Después de un accidente mortal, Laura tiene la oportunidad de salvar al amor de su vida cuando descubre que su mixtape puede transportarla en el tiempo. Con una banda sonora conmovedora con canciones de Japanese Breakfast, Father John Misty, Dayglow y más, Press Play te recuerda que el amor siempre se puede reproducir”.

Clara Rugaard protagoniza la película como Laura, con Lewis Pullman como Harrison, Danny Glover como Cooper, Lyrica Okano como Chloe y Matt Walsh como el Sr. Knoll.

Greg Björkman dirigió y coescribió la película con James Bachelor a partir de una historia de Josh Boone ( The Fault in Our Stars ). Será estrenada por The Avenue en cines y en formato digital el 24 de junio.

Arquitectónicamente, no hay confusión entre Nueva York y Oslo, o Oslo con Hong Kong, o Hong Kong con París. Pero mira estas grandes metrópolis a través de la lente de la cultura de citas de los veinteañeros y los treintañeros, y comienzan a parecerse más que a diferenciarse. El lenguaje de ser joven y cachondo e inseguro sobre el futuro es universal. No necesitas un guía turístico para identificar ese horizonte emocional o para verte en contra de él.

Como sugiere su título, la nueva película de Jacques Audiard , París, Distrito 13 , es una instantánea de la Ciudad de las Luces. Para ser aún más granular, está ambientado predominantemente en un vecindario en particular: Les Olympiades, un distrito culturalmente diverso y visualmente distintivo de rascacielos que Audiard muestra de inmediato con una serie de panorámicas impresionantes, deslizándose por el costado de las torres y mirando hacia el espacio abierto. ventanas Sin embargo, no hay nada tan ambientalmente específico en su retrato de jóvenes parisinos atractivos que tocan colchones musicales mientras intentan ordenar sus vidas. Podría estar ambientado en cualquier epicentro del ajetreo y el bullicio, incluida cualquiera de las ciudades, cada una de las cuales fue sede de los Juegos Olímpicos, que dan nombre a los edificios más altos de Les Olympiades.

Dentro de uno de estos rascacielos, Audiard encuentra a la primera de sus amantes: Émilie (Lucie Zhang), desnuda, cantando en un micrófono de karaoke. Émilie, que abandonó la universidad y ahora salta sin rumbo fijo de un trabajo de nivel inicial al siguiente, se acuesta con su nueva compañera de cuarto, la maestra de escuela Camille (Makita Samba). Es una aventura divertida para él, claramente algo más profundo para ella. O, como dice Camille, que mata a una dama, "Tú estás enamorada, yo no". Parecen incompatibles en sus respectivos rasgos exasperantes, los celos petulantes de ella raspando ruidosamente contra la arrogante indiferencia de él. Un mal partido. ¿O son?

Este desordenado enredo romántico se vuelve más complicado con la presentación de Nora (Noémie Merlant), una compañera que abandonó los estudios, quien se convierte en compañera de trabajo, y, con el tiempo, tal vez más, de Camille una vez que deja la enseñanza de bienes raíces. Merlant, que interpretó al pintor enamorado de Retrato de una dama en llamas , tiene la expresividad de una estrella del cine mudo. Se le ha otorgado la trama secundaria más distintiva y, por lo tanto, más interesante de París, Distrito 13 , en la que constantemente se confunde a Nora con una estrella porno de Internet llamada Amber Sweet (Jehnny Beth, que no se parece mucho a Merlant, pero bueno). La celebridad y su doppelgänger finalmente se conocen a través de una cámara web, y su inusual amistad virtual es solo una de las pocas formas en que la película sitúa a sus personajes en un mundo moderno donde conectarse o conseguir tus rocas a menudo es solo un golpe de distancia.

El dilema de Amber Sweet surge de un cuento del novelista gráfico Adrian Tomine . (Una parte de la narración que involucra a la tartamuda hermana pequeña de Camille que sigue una carrera en el stand-up ha sido extraída de otra entrada en la misma colección, Killing and Dying ). Hay muy poca voz de Tomine en esta adaptación muy suelta de su trabajo, con guión. de Audiard, Léa Mysius y la guionista y directora de retratos Céline Sciamma. Algunas de sus historias, por ejemplo, se sentían específicas de su telón de fondo, una América deprimida de Denny's en la carretera y estadios deportivos de la Costa Este. Tenían la admirable irresolución de la gran ficción breve: viñetas vívidas de decepción y anhelo que se convirtieron en elipses en lugar de puntos. Y Tomine las contó con sencillez, a través de ilustraciones elegantemente descarnadas que favorecían pequeños detalles de ambientación y expresión.

Audiard conserva la desilusión general de la obra de Tomine; todos sus personajes se tambalean hasta cierto punto: abandonan la escuela o una carrera, tratando de encontrarse en la atracción de los demás. Pero filtra ese elemento a través de un estilo más enérgico y romántico que recuerda a Tomine solo en la limitada paleta de colores de las imágenes en blanco y negro. Para capturar la emoción de la caótica adultez temprana, el director busca florituras llamativas, como la pantalla dividida ocasional, o el iris que se forma alrededor de Émilie mientras corre bajo la lluvia, llena de éxtasis en múltiples aspectos. La partitura, delacto electrónico francés Rone , es un compañero persistentemente caprichoso, que lleva cada momento de estas vidas ficticias hacia la catarsis.

Quizás Audiard ve un poco de sí mismo en sus personajes con fobia al compromiso. Él, también, rara vez parece estar listo para establecerse, siempre en busca de nuevas verdades en un nuevo género, saltando desde el drama de la prisión ( Un profeta ) a la fábula de la recuperación ( Óxido y hueso ), a la saga de inmigrantes ( Dheepan ) a la película del Oeste ( Las hermanas ). hermanos ). Se puede admirar su inquietud creadora sin amar adondequiera que le lleve. Ha aterrizado esta vez en un triángulo amoroso más banal que emocionante, y un mosaico de vida sexual más melodramático que los cuentos que Tomine contó a través de una serie de paneles. (A riesgo de obsesionarse demasiado con la desviación del guión del cómic, vale la pena señalar que el final original de Nora y Amber Sweet fue mucho más conmovedor en su discreta tranquilidad que esta reescritura sentimental).

Audiard ha citado a su compatriota francés Éric Rohmer como una influencia, como debe ser cualquier cineasta contemporáneo interesado en lo amoroso y locuaz. Pero París, distrito 13, habla un dialecto más general de confusión libidinosa, aterrizando en un largo continuo de historias, galas y de otro tipo, sobre perder el tiempo en la gran ciudad. Podrías pensar en André Téchiné un minuto, el Manhattan de Woody Allen en el siguiente. Así como todas las grandes ciudades pueden verse iguales bajo la luz adecuada, las películas sobre las desventuras de los habitantes de la ciudad que se follan y parlotean tienden a desdibujarse en un todo indistinto, un grito primario de juventud caliente y molesta.

París, Distrito 13 abre en cines selectos y está disponible para alquilar a pedido a partir del viernes 15 de abril. Para obtener más reseñas y escritos de AA Dowd, visite su página Authory .