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¿Está buscando un sistema de sonido envolvente Dolby Atmos de primer nivel que se acerque lo más posible a un receptor y parlantes completos? Tengo dos favoritos. Enfrentémoslos entre sí.

Primero, en el lado de Sonos, está el Arc Ultra con su rendimiento de graves mejorado, el nuevo Sonos Sub 4 y dos altavoces Era 300 con capacidad Dolby Atmos. Del lado de Sony, está el sistema Bravia Theatre Quad combinado con el mejor subwoofer de Sony, el SW5.

Desglosar los costos del sistema es un poco complicado. Debido a que todavía puedes comprar un paquete de sistema con el Sonos Arc original y el Sonos Sub 3 y, en el contexto de esta configuración completa del sistema, obtener resultados similares a los de un sistema que incluye los más caros Arc Ultra y Sub 4, el sistema Sonos tiene un rango de precios de alrededor de $2,200 a $2,500.

El Sony Bravia Theatre Quad con el subwoofer SW5, que no sólo es la mejor configuración de Sony, sino también la configuración más competitiva para esta comparación, cuesta entre $2,400 y $2,800, dependiendo de a quién se lo compre y si está en oferta (Walmart lo vende actualmente por $2,400 mientras que Amazon lo tiene por $2,800). Dependiendo del trato, hay una diferencia promedio de $200 entre los dos.

Diferencias en la producción de sonido.

Cuando se trata de cómo estos sistemas producen sonido, se puede ver con solo mirar que tienen diferentes enfoques. El sistema Sonos utiliza una barra de sonido como ancla y en la Arc Ultra Soundbar hay 14 controladores: siete tweeters, seis controladores de rango medio y un woofer dedicado para lo que Sonos llama una experiencia de audio 9.1.4 solo desde la barra de sonido. Por sí sola, Arc Ultra es una barra de sonido formidable, posiblemente la mejor barra de sonido independiente que puedes comprar sin entrar en un territorio increíblemente caro y de alta gama como el Sennheiser Ambeo .

Sin embargo, no juzgamos al Arc Ultra por sí solo. Si bien su rendimiento de graves independiente es impresionante, la mayor parte de los graves de este sistema los maneja el Sub 4, que utiliza dos controladores elípticos de 5 x 8 pulgadas en un gabinete sellado diseñado para cancelar la distorsión y la resonancia. Los parlantes Era 300 tienen cuatro tweeters: uno que se dispara en el frente, uno en cada lado y otro en la parte superior; los woofers son laterales. Sonos no revela los tamaños de los controladores, pero puedes estimarlos echando un vistazo.

El sistema Sony adopta un enfoque diferente. Hay cuatro altavoces cuadrados de bajo perfil que son fáciles de montar en la pared, ya sea al ras o en un soporte articulado convencional. En cada uno de estos altavoces cuadrados hay un conjunto de altavoces de tres vías con un tweeter de 0,75 pulgadas, un controlador de medios graves de 2,38 pulgadas y un woofer de 3,38 pulgadas. Desde la parte superior se dispara un controlador Atmos de tamaño considerable de 3,13 pulgadas.

Nota al margen de la estética: el equipo Sonos está disponible en blanco o negro, mientras que el sistema Quad viene solo en gris.

Calibración y conexiones.

Ambos sistemas cuentan con sistemas de calibración automática bastante avanzados. Sonos llama a su proceso Tru-Play, mientras que Sony, que no nombra el proceso de calibración en sí, utiliza lo que llama tecnología 360 Spatial Sound Mapping. El objetivo en ambos casos: una vez que ejecuta los procesos de calibración basados ​​en la aplicación, no solo obtiene un ecualizador personalizado para los altavoces exclusivo de su habitación, sino que también obtiene niveles de canal optimizados y procesamiento de sonido de audio espacial. Ambos sistemas afirman permitir cierta flexibilidad en cuanto a dónde colocar los parlantes, pero el Sony Bravia Theatre Quad ofrece una presentación Atmos más convincente en una variedad de posibles opciones de ubicación de los parlantes.

Cuando se trata de cómo se transmite el sonido desde estos sistemas, surgen algunas diferencias significativas y limitaciones notables. Tanto el sistema Sonos como el Theatre Quad tienen entradas HDMI eARC , lo que significa que puede enviar audio desde el puerto eARC del televisor a cualquiera de ellos. Una diferencia importante es que Theatre Quad tiene una entrada HDMI adicional, por lo que puede conectar un dispositivo directamente al sistema Quad sin ejecutarlo a través de su televisor.

Sin embargo, en el caso del audio inalámbrico, empezamos a ver algunas diferencias. El Bravia Theatre Quad es compatible con Bluetooth 5.2, Apple AirPlay y Spotify Connect. También es compatible con el códec LDAC propio de Sony. Si tiene un dispositivo móvil que también admite LDAC, puede enviar audio de alta resolución al Theatre Quad de esa manera: si es usuario de Apple, use AirPlay y, si tiene Android, use Bluetooth a menos que esté usando Spotify; puede transmitir directamente desde Spotify a través de Wi-Fi. El sistema Sonos admite las mismas opciones inalámbricas, pero no es compatible con LDAC de Sony. Para bandas sonoras de películas, Bravia Theatre Quad tiene una ligera ventaja porque admite formatos DTS avanzados como DTS:X, DTS-Master Audio y audio de alta resolución DTS-HD. El sistema Sonos no.

Donde las cosas se ponen realmente interesantes: cómo decide Sonos manejar la música dependiendo de si llega a través del puerto HDMI o de forma inalámbrica. Sonos asume que todo lo que pasa por el puerto HDMI está relacionado con "video" y, suponiendo que se trata de contenido de video, no le permite hacer mucho con los parlantes envolventes si le envía una señal de audio estéreo a través de HDMI. Está bien si se trata de una señal de TV estéreo. Para música estéreo, me gustaría poder usar los parlantes envolventes como quiera. La música inalámbrica le permite obtener un efecto de altavoz envolvente completo, mientras que con el video, están bloqueados en el "ambiente". (Esto es frustrante, porque escucho mucha música con mi Apple TV y, a veces, incluso con YouTube o YouTube Music, y no me gusta tener las manos atadas de esta manera).

El Sony Bravia Theatre Quad, sin embargo, adopta sólo un enfoque para utilizar los altavoces envolventes para música estéreo y es mejorar el escenario sonoro general. Puedes subir y bajar el volumen, pero lo que sale de los altavoces no es ajustable. (Sony se sale con la suya y eso es lo que hace. Me gusta lo que hace con las señales estéreo, pero si voy a criticar a Sonos por restringir las opciones, debo señalarlo también con Sony).

En cuanto al audio envolvente (música Atmos o bandas sonoras de TV o películas), ambos sistemas hacen lo que les dice el contenido, por lo que no hay problemas excepto por la falta de soporte DTS más avanzado en el sistema Sonos.

¿Pero cómo suenan?

Ahora la parte divertida: comparar la experiencia sonora.

Dado el extraño tratamiento que Sonos da al audio estéreo a través de HDMI, reproduje la mayor parte de mi música a través de AirPlay 2 usando mi iPhone 16 Pro Max en ambos sistemas. Como pude, también utilicé un Apple TV a través de varios televisores en mi banco de pruebas para reproducción de música estéreo y Atmos. También utilicé principalmente Apple Music, junto con algo de contenido de Tidal. En su mayor parte, no usé la aplicación de Sonos para transmitir música porque simplemente no era necesario y era muy fácil ir y venir entre los sistemas usando AirPlay desde la aplicación Apple Music.

Mi proceso tuvo mucho que ver con la experiencia que terminé teniendo. Algunos antecedentes: pasé meses escuchando Bravia Theatre Quad antes de adquirir el sistema Sonos; adquirí mucha experiencia con el Quad. Cuando llegó el momento de instalar el sistema Sonos y ponerlo en funcionamiento, pasé una cantidad significativa de tiempo jugando con la ubicación de los Era 300 y descubriendo ese extraño problema de reproducción de música. Luego pasé mucho tiempo escuchando el sistema Sonos, gran parte asociado con una evaluación de TV en la que estaba trabajando. Cuando realmente me familiaricé con el sistema Sonos y tuve una experiencia sólida con él, habían pasado casi dos meses desde que escuché el Quad.

Lo que noté mientras escuchaba música con el sistema Sonos: qué tan bien se integraba el Sub 4 con Arc Ultra y Era 300: era casi perfecto. Las mejores experiencias con el subwoofer ocurren cuando no sabes dónde está el subwoofer y nunca llama la atención; simplemente obtienes la experiencia de unos graves completos, profundos y contundentes, y eso es exactamente lo que obtuve con el sistema Sonos. Sonos parece mantener el punto de cruce entre la barra de sonido y los satélites lo suficientemente bajo como para que el subwoofer no tenga que tocar demasiado alto en el rango de frecuencia, de modo que emita un sonido direccional y delate su ubicación.

Algo más digno de mención sobre el sistema Sonos: independientemente de si los Era 300 reproducían "completo" o "ambiente", no solo llenaron el fondo de la sala con sonido, sino que también mejoraron el ancho del escenario sonoro frontal. (Por ejemplo, cuando escuché un disco de Sonny Stitt, el saxo de Stitt está colocado hacia el lado izquierdo de la habitación y lo escuché muy fuera del borde de la barra de sonido. Solo en el Arc Ultra, la separación estéreo no es nada para emocionarse, pero con los Era 300 tocando en concierto con el Arc Ultra, puedes obtener una ubicación instrumental realmente sorprendente alrededor de la habitación, y esto proviene de una fuente estéreo. Incluso había una cantidad impresionante de altura en el escenario sonoro. por adelantado Fue realmente divertido, incluso para un purista incondicional de los dos canales como yo).

El Bravia Theatre Quad, sin embargo, cambió por completo mi perspectiva. En comparación, el sistema Sonos sonaba bastante delgado. El Quad aportó una sensación de calidez y riqueza que tanto faltaba en el sistema Sonos. Además, los dos altavoces frontales cuádruples separados tenían una imagen central mucho mejor que el sistema Sonos, incluso con el Arc Ultra colocado en el centro de la habitación. La capacidad del Theatre Quad para emitir un canal central fantasma no tiene comparación, ni siquiera con las barras de sonido con un altavoz central real.

Resulta que parte de la disparidad entre los dos sistemas se debió a Sonos Trueplay que, por primera vez desde que probé los productos Sonos, hizo más daño que beneficio a la fidelidad del audio. (Todavía estoy desconcertado por eso). Incluso con Trueplay desactivado, el Theatre Quad suena más realista, táctil y con mucho cuerpo, mucho más cerca de lo que quiero de un sistema de audio que lo que Sonos alguna vez produjo.

El subwoofer Sony no se integra tan perfectamente con los altavoces Quad como lo hace el Sub 4 con sus homólogos de Sonos; no es que el Theatre Quad fuera mejor en absolutamente todos los aspectos notables de la interpretación musical. Sin embargo, a fin de cuentas, si me veo obligado a elegir entre los dos sistemas, elegiré el Quad siempre porque la reproducción de música es muy importante para mí, incluso más importante que el rendimiento de la banda sonora envolvente.

Versatilidad versus reproducción

Desde la perspectiva del efecto envolvente de Atmos, las diferencias entre los dos eran insignificantes. Sonos saltó en fidelidad general ya que los parlantes envolventes se utilizaron más cerca de su máximo potencial, pero al final, incluso con música Atmos, el Quad ganó para mí.

Es importante señalar que el sistema Sonos está diseñado para ofrecer una solución mucho más completa para escuchar música en casa. Puede agregar parlantes Sonos a varias habitaciones, unirlos todos y usar algunos de ellos o todos. No hay duda de que los productos Sonos son más versátiles desde esa perspectiva. Sin embargo, si hablamos de servir a una habitación (proporcionar entretenimiento en el hogar en un solo espacio) desde la perspectiva de la reproducción de música, el Quad gana.

Cuando se trata de ver películas y televisión, las diferencias en fidelidad son menos marcadas. Algunos de los trucos de procesamiento que realiza Sonos lo convierten en una opción convincente. Si quisiera usar el sistema casi exclusivamente para películas y TV y tener parlantes en otros lugares de mi casa, Sonos sería el camino a seguir. Es increíble en todo tipo de formatos envolventes de todo tipo de fuentes: streaming, DVD, blu-ray, 4K Blu-ray, etc.

Además, el sistema Sonos permite dos subwoofers. El bajo pasó de excelente a impresionante cuando agregué el Sub 3 a la mezcla. Fue más sencillo y uniforme en toda la sala, lo cual es una ventaja de tener subwoofers en varias ubicaciones. Incluso con un solo Sub 4, el sistema Sonos tenía una salida de graves superior para películas y televisión. El SW5 de Sony no es un subwoofer holgado, pero los subwoofers de Sonos están justo al siguiente nivel. En mi habitación, eran más ajustados, más rápidos y simplemente más agradables de escuchar. Dicho esto, sé que a algunas personas les gustará el enfoque más robusto o más woofer de las tomas secundarias de Sony. Si está escuchando en cualquier lugar que no sea un espacio abierto y cavernoso, el SW 5 funcionará bien.

El Bravia Theatre Quad también es mucho más indulgente con la ubicación de los altavoces. Si tiene que colocar los parlantes envolventes a diferentes alturas o a diferentes distancias de su asiento, o si necesita colocar un parlante frontal más cerca del televisor que el otro, la tecnología Spatial Sound Mapping de Sony es la verdad y brindará una excelente experiencia de sonido estéreo o envolvente de manera más consistente que Sonos.

Con los altavoces Theatre Quad, a veces necesitaba colocar los alrededores debajo de objetos, como un estante o una escalera, y aún así recibía una sensación de efecto Atmos. (Para su información: Mi espacio es un desafío para Atmos porque se puede reflejar muy poco sonido en los techos altos y tratados con sonido. Quizás es por eso que el efecto de cúpula Atmos que obtuve del Theatre Quad tendió a ser superior la mayoría de las veces; parece depender un poco menos del sonido reflejado en el techo).

El sistema Sonos fue consistentemente más contiguo con su movimiento de adelante hacia atrás en el eje horizontal, lo que debo a los controladores laterales en los parlantes Era 300. En cuanto a la claridad e inteligibilidad del diálogo, ambas son geniales: todavía me maravillo de la capacidad del Theatre Quad para lograr un centro fantasma.

Si el cine en casa es su prioridad y puede colocar los parlantes en su posición ideal y no le importan las opciones de audio multisala de Sonos, será una elección difícil entre los dos sistemas. Ambos son excelentes y todo se reduce al gusto de cada uno. Si tiene ambiciones de audio en varias habitaciones, Sonos es el claro ganador.

Sin embargo, si eres un gran oyente de música y un poco snob con respecto a la fidelidad del audio, o si necesitas colocar tus parlantes en espacios poco convencionales, el Bravia Theatre Quad es la opción clara. Al final, es el sistema que voy a utilizar en mi estudio cuando no utilice altavoces convencionales como el GoldenEar T66 o el SVS Ultra Evolution Pinnacle , que necesito para escuchar mis vinilos.

La guerra siempre ha sido una de las fuentes de inspiración más constantes para los cineastas de todo el mundo, y la Segunda Guerra Mundial , en particular, se ha convertido en el tema de numerosas películas que muestran una variedad de perspectivas. Estas películas intentan capturar uno de los conflictos más devastadores de la historia de manera históricamente precisa y, a menudo, profundamente personal, y muchas de ellas han sido aclamadas como piezas cinematográficas atemporales que han llegado a educar y conmover a innumerables espectadores.

Desde la increíblemente inquietante Ven y mira hasta la desgarradora La lista de Schindler , las mejores películas de la Segunda Guerra Mundial retratan atrocidades inimaginables con profunda sensibilidad. Estas obras premiadas representan con éxito historias y momentos críticos de uno de los períodos más cruciales del siglo XX, asegurando que el costo y los horrores de la guerra nunca se olviden.

10. Incendios en la llanura (1959)

Ambientada en los últimos días de la Segunda Guerra Mundial, Fires on the Plain cuenta la historia de un soldado japonés tuberculoso que, tras ser despedido de su unidad y del hospital, deambula por la desolada isla filipina de Leyte. El soldado Tamura (Eiji Funakoshi) lucha por sobrevivir durante el período menguante de la guerra y se encuentra con compañeros soldados en situaciones mucho peores, incluida la locura y el hambre que conduce al canibalismo. Tamura huye de su propia tropa en un intento desesperado por mantenerse con vida, sólo para encontrar más horrores mientras deambula por el país extranjero.

Dirigida por Kon Ichikawa basada en la novela de Shōhei Ōoka de 1951 titulada Nobi , la película de guerra japonesa de 1959 recibió inicialmente críticas mixtas, pero ha sido reevaluada como una entrada crítica en el género. Fires on the Plain pregunta qué sucede cuando el polvo se asienta y los soldados se encuentran muriendo lejos de casa, y el enfoque de la película dramática lenta en la historia de Tamura la convierte en una película destacada de la Segunda Guerra Mundial que merece más reconocimiento.

9. Dunkerque (2017)

Dunkerque narra la evacuación titular de la Segunda Guerra Mundial, utilizando tres perspectivas (tierra, mar y aire) para contar varias historias sobre el caos que se desarrolla en Francia. La película de 2017 no utiliza la estructura narrativa típica, sino que elige mostrar una variedad de situaciones para capturar la lucha colectiva de los soldados por la supervivencia. Estos momentos incluyen personajes desesperados atrapados en un barco que se hunde, así como pilotos de la RAF que arriesgan sus vidas para proteger a los soldados en la playa.

Basándose principalmente en la música y la cinematografía y presentando pocos diálogos, el director Christopher Nolan crea magistralmente suspenso y temor a lo largo de las casi dos horas de duración de la película. La partitura ganadora del Oscar de Hans Zimmer ayuda a aumentar esa tensión, y el trabajo del compositor en Dunkerque se encuentra entre los mejores de su carrera. La película sumerge al público en el desorden y la imprevisibilidad de la guerra, con líneas de tiempo superpuestas diseñadas intencionalmente para resaltar el miedo y la confusión que sintieron los soldados durante la evacuación.

8. Casablanca (1942)

En el legendario drama romántico Casablanca del director Michael Curtiz, la vida de Rick Blaine (Humphrey Bogart) cambia cuando su ex amante Ilsa Lund (Ingrid Bergman) entra inesperadamente a su bar en la ciudad marroquí titular. Ilsa llega con su marido Victor Laszlo (Paul Henreid), un líder de la resistencia checa perseguido por el régimen nazi. Inicialmente reacio a ayudar, Rick pronto se ve atrapado en su situación cuando tiene una apasionada aventura con Ilsa. Pronto tiene que tomar una decisión difícil e icónica en el aeropuerto.

Casablanca es un clásico querido por una razón, con su guión impecable y sus fascinantes actuaciones todavía se discuten y se hace referencia a ellas hoy en día. Además de ser una de las mejores películas románticas de todos los tiempos , la película de 1942 también es una obra importante en el género bélico. Más allá de haber sido filmada y ambientada durante la Segunda Guerra Mundial, la decisión final de Rick subraya un poderoso mensaje sobre negarse a permanecer al margen, incluso si es la opción más cómoda.

7. Las grullas vuelan (1957)

The Cranes Are Flying es una película de guerra soviética que sigue a la joven pareja Veronika (Tatiana Samoilova) y Boris (Aleksei Batalov), cuyas vidas quedan destrozadas cuando Boris se ofrece como voluntario para el ejército. Mientras la guerra devasta Moscú, la vida de Veronika da un vuelco en medio de los bombardeos y otras amenazas emergentes, en particular del oportunista primo de Boris, Mark (Aleksandr Shvorin). Después de años de dificultades, una relación que le induce a sentirse culpable y un nuevo miembro inesperado en la familia, Veronika descubre la terrible verdad que no quería aceptar sobre el destino de Boris en el frente.

El director soviético nacido en Georgia, Mikhail Kalatozov, captura el daño generalizado de la guerra a la psique soviética, conocida como la Gran Guerra Patriótica en la Unión Soviética. Una escena crítica e inquietante de la película contrasta el vuelo de las grúas, que simboliza la esperanza, con la desesperación de Veronika, que cuestiona el costo de la victoria en la guerra. The Cranes Are Flying tendría una victoria histórica en el Festival de Cine de Cannes de 1958, convirtiéndose en la única película soviética en llevarse a casa la Palma de Oro.

6. El pianista (2002)

Basada en la desgarradora historia real del sobreviviente del Holocausto Władysław Szpilman, la adaptación de la autobiografía del director Roman Polanski relata cómo el talentoso pianista judío polaco (interpretado por The Brutalist's Adrien Brody) vivió la ocupación nazi en Varsovia. El pianista retrata cómo Szpilman, que alguna vez fue un músico célebre, apenas sobrevive después de que su familia es enviada a los campos de exterminio. Luego, el protagonista sobrevive en las ruinas del gueto que alguna vez fue una comunidad próspera, arreglándoselas con lo que puede encontrar, con la ayuda de personas de buen corazón que lo rodean.

No hay héroes abiertos en The Pianist , y la película evita el sentimentalismo en favor de una visión cruda e íntima de la lucha de un hombre por la supervivencia en medio de abrumadoras probabilidades. El viaje de Szpilman es desgarrador, especialmente teniendo en cuenta el marcado cambio en su posición como pianista querido en su ciudad, que luego se ve obligado a vivir circunstancias deshumanizantes. Adrien Brody se llevó a casa el Oscar al Mejor Actor por su actuación, para la que se preparó aislándose durante meses, rompiendo con su novia, abandonando su departamento y su auto, perdiendo 30 libras e incluso tomando lecciones de piano durante cuatro horas al día.

5. El puente sobre el río Kwai (1957)

El puente sobre el río Kwai cuenta la apasionante historia de los prisioneros de guerra británicos obligados a construir un puente ferroviario sobre el río titular por sus captores japoneses en Birmania. El estoico oficial británico coronel Nicholson (Alec Guinness de Star Wars ) lidera a sus hombres con la misma disciplina y rigor para los que se entrenaron para el ejército, todo mientras choca con el igualmente decidido coronel Saito (Sessue Hayakawa). A pesar de su relación captor-cautivo, Nicholson se compromete obsesivamente a construir el puente como símbolo de la fuerza británica, y sin darse cuenta ayuda al enemigo. Mientras tanto, Shears (William Holden), un prisionero estadounidense que escapó del campo, se ve obligado a regresar con la misión de destruir el puente, lo que lleva a un tenso enfrentamiento.

La comprensión final de Nicholson, acompañada de un dramático "¿Qué he hecho?" – refleja su pérdida de perspectiva, que la película aumenta con sus casi tres horas de duración. El director David Lean es un maestro de las epopeyas e infunde a la película de 1957 los escenarios ambiciosos y la meticulosa atención al detalle por los que se hizo conocido. El puente sobre el río Kwai puede contar una historia ficticia, pero es fascinante que explora la locura y la obsesión que conlleva la guerra, especialmente antes de una derrota inevitable.

4. La tumba de las luciérnagas (1988)

La película animada más reconocible del género bélico, La tumba de las luciérnagas de Studio Ghibli, cuenta la desgarradora historia de dos hermanos, Seita (Tsutomu Tatsumi) y Setsuko (Ayano Shiraishi). Dirigida por Isao Takahata, la película describe las experiencias de los hermanos durante los últimos meses de la Segunda Guerra Mundial en Japón, donde se ven abandonados a su suerte después de que su madre muere en un ataque aéreo. A medida que pasan de un lugar aterrador a otro, los hermanos sólo pueden confiar el uno en el otro. Pero con los alimentos cada vez más escasos y las estructuras a su alrededor colapsando, las cosas lucen sombrías.

La tumba de las luciérnagas se ha ganado la reputación de estar entre las películas animadas más tristes de la historia , especialmente gracias a su inolvidable y conmovedor final. Los magníficos fotogramas dibujados a mano característicos de Ghibli hacen que los eventos emocionales de la película sean aún más contundentes, consolidándola fácilmente como la historia más trágica del estudio. La película de 1988 señala el costo humano de la guerra, especialmente el de las vidas de jóvenes inocentes que quedan olvidados en la destrucción.

3. Salvar al soldado Ryan (1998)

Salvar al soldado Ryan de Steven Spielberg comienza con una de las representaciones de guerra más brutales y realistas jamás capturadas en una película: la invasión del Día D en Omaha Beach. En medio de las muertes y el desorden, el capitán John Miller (Tom Hanks) y su equipo sobreviven, sólo para recibir la difícil tarea de localizar a un único superviviente en algún lugar de la Francia devastada por la guerra. El soldado James Ryan (Matt Damon) está solo en territorio hostil después de que sus tres hermanos murieran en combate, y depende del escuadrón de Miller encontrarlo y rescatarlo antes de que los combatientes enemigos lo encuentren primero.

Salvar al soldado Ryan es una de las películas de guerra más populares que mostró representaciones gráficas dolorosamente precisas del Día D y lo que es ser un soldado. Spielberg gastaría una cantidad considerable de tiempo y dinero perfeccionando esa infame secuencia de apertura, utilizando 12 millones de dólares del presupuesto de producción de 65 millones de dólares y empleando alrededor de 1.500 personas para hacerlo bien. La película de 1998 sería un gran éxito, convirtiéndose en un éxito de taquilla e influyendo en numerosos trabajos posteriores del género.

2. La lista de Schindler (1993)

Otra obra maestra de Spielberg que nunca falta en ninguna discusión sobre las mejores películas de guerra de todos los tiempos es La lista de Schindler . Basada en la asombrosa historia real de Oskar Schindler (interpretado por Liam Neeson), la película sigue la transformación del industrial alemán de un especulador de la guerra a un valiente humanitario. Schindler está horrorizado por la crueldad del SS-Untersturmführer Amon Göth (Ralph Fiennes) en el campo de concentración de Płaszów. El protagonista decide ayudar y Schindler salva a más de mil refugiados haciéndolos trabajar en sus fábricas durante la Segunda Guerra Mundial.

La inquietante historia de la película está apropiadamente contada en blanco y negro, y Spielberg la aborda como un documental para hacerla sentir más auténtica. Neeson está impecablemente elegido como el valiente Schindler, cuya actuación se convirtió en un digno tributo a la figura de la vida real. Después de su estreno en 1993, la película conmocionó al mundo, con innumerables lágrimas derramadas por la joven del abrigo rojo y varios otros momentos que subrayaron tanto la increíble pérdida como la impresionante valentía de la historia de Schindler.

1. Ven y verás (1985)

Ven y mira es una película pacifista única en su tipo centrada en la ocupación nazi alemana de Bielorrusia. Dirigida por Elem Klimov, sigue a un niño llamado Florya (Aleksei Kravchenko), que descubre un rifle e ingenuamente se une a la resistencia soviética en contra de los deseos de su familia. Luego, Florya se encuentra en una situación traumática tras otra, incluida una masacre despiadada en un pueblo donde la gente es quemada viva, así como la desaparición de su propia familia.

Además de explorar un lado dela Segunda Guerra Mundial que no se ve a menudo en el cine, Ven y mira se destaca por su uso del hiperrealismo y el surrealismo para crear una experiencia visual visceral que replica el profundo miedo y la impotencia que experimenta Florya. Su tortuoso arco que muestra las formas discordantes en que le arrebatan su juventud e ingenuidad es casi demasiado inquietante de ver a veces, lo que resalta el mensaje pacifista de la película. La película de la era soviética estuvo prohibida durante ocho años antes de que Klimov pudiera producirla por completo, y el tiempo no ha hecho nada para quitarle el trabajo provocativo y poderoso que cualquier fanático del género debería ver al menos una vez.

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Cuando revisé WWE 2K24 el año pasado, proclamé que la serie había llegado a la cima de la montaña. La serie completó oficialmente su arco de regreso gracias a una lucha más intensa, toneladas de modos geniales y una enorme lista de superestrellas. Fue un logro importante para 2K Games, pero dejó a la serie frente a una pregunta existencial: ¿adónde irás después una vez que hayas alcanzado la cima?

Estoy empezando a tener una idea de esa respuesta después de jugar unas horas a WWE 2K25 . En muchos sentidos, el simulador de este año busca mantener el status quo modificando ligeramente los modos existentes como MyGM y agregando ajustes sutiles a su base central de lucha. Sin embargo, hay mucho más de lo que parece, desde su nuevo modo de mundo abierto hasta la introducción de la lucha intergénero. Si bien no pude probar todas las funciones nuevas, las partes que sí probé se sintieron lo suficientemente mejoradas como para evitar que la edición de este año pareciera obsoleta.

Sin embargo, hay algunos cambios que pueden sacudir el barco entre los fanáticos de toda la vida, lo que le da a la serie revitalizada su primera prueba real desde que comenzó su regreso a la forma de babyface en 2022. Ganar un título es solo un desafío; defenderlo con éxito es otra.

Los detalles se suman

Mi sesión de demostración me permitió jugar con algunos modos y tipos de partidos diferentes. Podría jugar tres de los combates Showcase de este año, intentar una pelea entre bastidores e incluso simular un combate Royal Rumble antes del combate real ese mismo día (para que conste, Rhea Ripley ganó mi combate después de eliminar a Bubba Ray Dudley). Antes de sumergirme en nada de eso, comencé con un tradicional combate uno a uno entre Jacob Fatu y Nia Jax.

Bien, tal vez tradicional no sea la palabra correcta allí. WWE 2K25 presenta combates intergénero, un movimiento progresivo que incluso la verdadera WWE aún no ha adoptado por completo. La única advertencia es que esos partidos no incluirán sangre, aunque los partidos femeninos sí. Si bien estoy seguro de que habrá cierta inquietud por la mudanza, es una decisión fantástica. Crea enfrentamientos más dinámicos entre luchadores de diferentes tamaños y abre la puerta a más "combates de ensueño", que es todo el atractivo de la simulación. Y como hombre al que le encantan las buenas batallas de caballos, Fatu vs. Jax es la pelea de Bloodline que ni siquiera me di cuenta de que quería hasta que la encendí.

Los fundamentos de la lucha libre resultarán familiares para los viejos fanáticos, ya que 2K25 tiene los mismos controles, sistema de pines e indicaciones de inversión en fracciones de segundo. Sin embargo, hay algunos cambios importantes. Por un lado, los jugadores ahora pueden participar en luchas en cadena al principio de una partida. En el minijuego, dos jugadores mueven un joystick para elegir una maniobra y luego encuentran la posición correcta del joystick y lo mantienen allí el tiempo suficiente para obtener una ventaja. Si soy honesto, nunca lo entendí. Es un minijuego masivo impulsado por la interfaz de usuario que, como la función de golpes comerciales del año pasado, pero menos satisfactorio desde el punto de vista cinematográfico.

Igualmente complicado es un nuevo minijuego de sumisión. En lugar de simplemente presionar botones para romper el control, ahora ambos jugadores rotan barras de colores alrededor de un círculo. El jugador que está atrapado básicamente necesita mantener su barra alejada del otro jugador para escapar. Al final lo aprendí, pero ciertamente no es tan elegante como los pinfall que me encantan.

Los cambios más exitosos de WWE 2K25 son los más sutiles que hacen que las batallas fluyan con mayor fluidez. Los ataques de zarigüeya ahora se pueden ejecutar desde varias posiciones, como cuando un jugador está en la esquina o contra las cuerdas. Las reversiones de Pinfall ocurren de manera más natural en batallas contra jugadores controlados por computadora gracias a los ajustes de la IA. Las recuperaciones cuestan un poco menos, lo que significa que los jugadores ahora pueden encadenar un rocío de niebla y un golpe bajo juntos. Incluso los partidos por equipos han experimentado una mejora importante gracias a un cambio que impide que los jugadores de la computadora rompan cada pin, incluso aquellos de los que sus compañeros de equipo claramente van a expulsar sin su ayuda. Todo eso hace que el sistema de batalla central se sienta más dinámico sin agregar ruido visual en la pantalla.

Cuantas más sutilezas como esta se agreguen, más única se sentirá cada partida. Por ejemplo, 2K25 añade el buceo en barricadas a la mezcla. Cuando se cumplen las condiciones adecuadas, un luchador se lanzará desde el ring hacia su oponente en una breve escena cinematográfica. Solo logré activarlo en una partida, haciéndolo sentir como un momento especial en lugar de algo que sucede cada vez. De esa manera, 2K25 realmente entiende algo fundamental sobre la lucha libre: es más divertida cuanto más impredecible es. Si se produce un salto suicida en cada partida, eventualmente pierde su ventaja. Cada partido que jugué durante mi sesión tuvo su propio ritmo y personalidad. Eso es exactamente lo que esperas de un buen simulador de lucha libre.

Experimentando con modos antiguos

Si bien no pude probar la mayoría de los modos principales de la serie, probé un buen conjunto de contenidos. Me lo pasé bien jugando con peleas tras bastidores ampliadas, que permitían a los jugadores pelear en un estacionamiento y lanzarse desde el capó de los autos. Me lo pasé bien golpeando a Jimmy Uso con un cono de tráfico y saltando desde estructuras industriales con la ágil Kelani Jordan. Organicé una pequeña pelea de ensueño cuando Jade Cargill y Bianca Belair se enfrentaron a los Dudley en un clásico instantáneo donde las menos rupturas condujeron a un drama más sorprendente. No hubo grandes sorpresas en ninguno de esos tipos de partidos, pero juegan tan bien como siempre.

Una cosa que me llamó la atención durante estas pruebas es la presentación general. La serie 2K es extraña porque está a merced de la promoción de lucha libre que está emulando. 2K22 sufrió debido al tumultuoso drama del mundo real en torno a su lanzamiento, lo que llevó a una plantilla débil debido a los despidos masivos en la empresa en ese momento. Por el contrario, la WWE está en un auge en este momento. La producción del producto real está en su apogeo con escenarios más elegantes, entradas más cinematográficas y una sensación cada vez más premium. Eso se refleja en 2K25 como un buen efecto secundario. La amenazadora entrada de Jacob Fatu, por ejemplo, es igual de espeluznante en el juego. Si bien todavía hay una falta de coincidencia en la calidad entre los luchadores (Sol Ruca de NXT no recibe la misma atención a los detalles que, por ejemplo, Roman Reigns), las estrellas más importantes realmente cobran vida este año.

De lo que estoy un poco menos seguro es del modo Showcase de este año, que podría generar sentimientos encontrados entre los fanáticos. Durante los últimos años, 2K ha creado documentales interactivos que entrelazan a la perfección imágenes reales de partidos en los partidos. Aquella fórmula alcanzó su cúspide creativa el año pasado con un excelente paseo por la historia de Wrestlemania. El modo de este año es similar en papel, rastrea la historia de la familia Anoa'i (The Bloodline) a través de partidos clásicos narrados por Paul Heyman, pero son mucho más flexibles en cuanto a mantener la precisión histórica.

El gran cambio es que 2K está abandonando por completo su tecnología de tirachinas, lo que significa que el metraje del juego ya no pasa a clips del partido real. Un desarrollador con el que hablé en el evento de prensa explicó que la decisión fue impulsada por las solicitudes de los fanáticos. Simplemente querían jugar estos partidos, no realizar movimientos como medio para activar escenas. Puedo entender esa mentalidad, pero el Showcase de este año parece un poco menos único. En un combate, recreé la victoria de Nia Jax en la Reina del Ring contra Lyra Valkyria. Después de completar mi primer objetivo, se desarrolló una larga escena del juego que imitaba una secuencia del partido real. El factor sorpresa simplemente no fue el mismo.

En parte, parece que el equipo tomó esa decisión porque este Showcase también incluye partidos completamente ficticios. En uno, controlé a los Wild Samoans en un partido de mesas contra los Dudley. Por supuesto, no hay imágenes de ese combate inventado que se puedan unir. Un tercer combate me llevó de regreso al choque de Roman Reigns y Seth Rollins en 2022, pero en una versión de “qué pasaría si” que se desarrolló de manera diferente. Parece que el equipo está un poco dividido entre tratar Showcases como documentos históricos y ficción lúdica. Uno u otro funcionaría bien, pero todavía no estoy del todo seguro de cómo me sentiré al mezclar ambos enfoques.

Tengo la sensación de que esto terminará siendo un detalle delicado en el gran esquema de las cosas. Mientras jugué 2K25 durante unas horas, apenas vi el paquete completo. Todavía quedan por ver MyGM, Factions, MyRise, Universe, la mejor suite creativa de su clase, nuevos tipos de partidas y el misterioso modo Isla. Siempre que dos de esos aspectos sean excelentes, sé que obtendré el valor de mi dinero. Hay espacio para experimentar con cada pieza individual cuando la red de seguridad es tan amplia.

Y así, WWE 2K25 todavía parece saludable antes de su próxima defensa del título. La lucha central es genial, la IA está mejorando, los errores todavía parecen estar bajo control, Jacob Fatu se ve ridículamente bien y las luchas intergénero hacen que un plantel familiar parezca nuevo. WWE 2K24 es un acto difícil de seguir, pero un campeón duradero nunca se rinde.

WWE 2K25 se lanza el 7 de marzo para PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series X/S y PC para quienes reserven una de sus ediciones especiales. Quienes compren la Edición Estándar tendrán que esperar una semana más, ya que esa versión se lanzará el 14 de marzo.