¿Los directores de películas originales tienen futuro en Hollywood?
En la 94ª edición de los Premios de la Academia, Dune , la ambiciosa adaptación de Denis Villeneuve de la desafiante obra maestra de ciencia ficción de Frank Herbert, ganó seis premios Oscar , la mayor cantidad de cualquier película en la ceremonia. Desde su estreno en octubre pasado, Dune ha recibido elogios casi universales de la crítica y el público, quienes la elogiaron como una de las mejores epopeyas de ciencia ficción del nuevo milenio, junto con Mad Max: Fury Road de Goerge Miller e Inception de Christopher Nolan.
Villeneuve no es ajeno a las películas atrevidas, estimulantes y aclamadas por la crítica. 2016 vio el lanzamiento de Llegada , una de las piezas de ciencia ficción más desafiantes, filosóficas y hermosas de la historia reciente. Al año siguiente, Blade Runner 2049 , su continuación neo-noir del clásico Blade Runner de 1982, se abrió a los elogios de la crítica universal pero la decepción comercial, recaudando solo $ 259 millones contra un presupuesto de producción de entre $ 150 y $ 185 millones. Si bien era un director narrativamente consumado y técnicamente competente, muchos cuestionaron la viabilidad comercial de Villeneuve; sin embargo, Dune recaudó $ 400 millones en todo el mundo a pesar de un lanzamiento de día y fecha en HBO Max y una pandemia en curso. Mezclando éxito comercial y crítico, Dune finalmente despejó cualquier duda sobre la posición de Villeneuve como uno de los mejores directores en el negocio.
Ambición a un fallo
Denis Villeneuve es el ejemplo perfecto de un cineasta de autor que constantemente ofrece piezas desafiantes e introspectivas que no siempre son del gusto de la audiencia. La popularidad comercial de sus películas no es necesariamente un reflejo de su calidad o significado cinematográfico, pero brindan una visión interesante de los gustos y comportamientos del público.
En los últimos años, el público ha visto un aumento en los éxitos de taquilla dirigidos por autores. Basadas en IP populares y demandadas, estas películas llevan la marca inconfundible de sus directores, para bien o para mal. En el mejor de los casos, representan el siguiente paso en la ejecución de éxitos de taquilla; son distintas, innovadoras, frescas, visualmente impactantes y temáticamente resonantes. No se conforman con el mensaje fácil y no tienen miedo de mezclar géneros, y aunque no siempre premian a los jugadores, casi siempre son los favoritos de la crítica. En el peor de los casos, se presentan como piezas falsas y pretenciosas, innecesariamente complicadas que se pierden en su propia importancia, proyectos vanidosos con cineastas hundidos en una ideología demasiado grande para fracasar reforzada por una industria que no dudará en destrozarlos. abajo a la menor señal de debilidad. Por cada Dune , hay un The Matrix Resurrections .
Es intrigante mirar y comparar estas dos películas, ya que ambas son de Warner Bros. y se basan en propiedades notoriamente exigentes y no particularmente amigables para el espectador. Sin embargo, Dune se compromete, brindando suficiente espectáculo visual para los aficionados a la ciencia ficción sin descuidar los temas famosos y pesados de su material de origen. Al sacrificar algunos aspectos del contenido intencionalmente exigente de la novela, Dune se transforma en un triunfo cinematográfico, en capas mientras permanece lo suficientemente accesible para que el público lo digiera.
The Matrix Resurrections va por el otro lado, desafiando abiertamente e incluso antagonizando a su entusiasta audiencia. La película se burla de su propia existencia y, aunque mantiene el cuidado y el amor por sus personajes, no puede evitar sentirse como un escupitajo en la cara de la audiencia a la que pretende entretener. Es un movimiento audaz e incluso admirable por parte de la escritora/directora Lana Wachowski, especialmente después de años de que Warner Bros. amenazara con continuar con la franquicia sin la participación de ella o su hermana; por desgracia, el movimiento fracasó. Resurrections fue una bomba de taquilla, recaudando solo $ 156,6 millones contra un presupuesto de producción de $ 190 millones. Las críticas fueron mixtas, muchos elogiaron la voz distintiva y la seriedad sin disculpas de Wachowski y otros afirmaron que la película era innecesariamente antipática con su audiencia leal.
Resurrections es descaradamente Wachowski. El toque característico del cineasta está por toda la película, lo que contribuye a su división. De hecho, Wachowski entrega una película que se reprende a sí misma y, por extensión, al interés de la audiencia por ella. Resurrections critica abiertamente la cultura cinematográfica actual, avergonzando el culto de la franquicia y pidiendo lo mismo a su audiencia, al mismo tiempo que fomenta el sentimentalismo a través de su descarado amor hacia Neo y Trinity. El resultado es una pieza errática y algo discordante que intenta tener su pastel y comérselo también.
Los peligros de no comprometerse
Wachowski no es el único director que se deja llevar por la ambición. El maestro de ciencia ficción Christopher Nolan experimentó algo similar con Tenet , un ejercicio de $200 millones en exceso. Tenet es Nolan en su Nolan-est; todo es más grande, más ruidoso, más rápido y menos accesible. El director siempre ha sido atrevido con sus temas e ideas, pero Tenet lo encuentra en su forma más pretenciosa y menos simpática, creando una película que se pierde en un revoltijo de ideas audaces pero poco desarrolladas. El alcance de Nolan siempre ha excedido su alcance, pero Tenet muestra una notable falta de autoconciencia de un director que muchos consideraban demasiado grande para fracasar.
Al igual que Resurrections , las reseñas de Tenet fueron variadas e indecisas. Algunos elogiaron el arte y el firme compromiso de Nolan con el espectáculo cerebral, mientras que otros cuestionaron si el director sabía lo que estaba tratando de decir con la película. La recepción crítica mixta, junto con la insistencia de Nolan en un estreno exclusivo en cines en el punto álgido de la pandemia, significó que Tenet fue una decepción de taquilla, recaudando $ 363,3 millones contra un presupuesto de producción de $ 200 millones. La taquilla de la película puede haber influido en la decisión de Warner de lanzar su lista completa de películas de 2021 en HBO Max, lo que a su vez llevó a Nolan a separarse del estudio después de más de 20 años, aunque esa es una historia completamente diferente.
Al igual que Nolan, muchos autores se esfuerzan por llegar a un punto medio entre su visión distintiva y los gustos del público general. Tras su éxito comercial con El cisne negro , Darren Aronofsky recibió luz verde y 160 millones de dólares para dar vida a su ambiciosa epopeya bíblica, Noé . La película polarizó al público, aunque recibió críticas principalmente positivas de los críticos. Su seguimiento: ¡la madre desquiciada e intransigente! – fue aún más divisivo, consolidándolo como uno de los más grandes provocadores del cine.
Los autores de terror como Ari Aster y Robert Eggers a menudo ofrecen películas profundamente alienantes que provocan una respuesta apasionada de sus audiencias, aunque casi nunca positiva. Los amantes del cine las adoran, pero el público mayoritario rechaza abiertamente su intensidad y deliberada provocación. El esfuerzo más reciente de Eggers, The Northman , tuvo una producción de $70 millones , pero recaudó solo $64 millones en la taquilla mundial. Y si bien hay muchas razones para la decepción financiera de la película, entre ellas la falta de una estrella genuinamente rentable en el papel principal, la reputación esotérica de Eggers ciertamente no ayudó.
Y, sin embargo, The Northman es una película lo más épica posible , una experiencia genuinamente apasionante que es tan brutal como conmovedora; también es su película más "comercial" hasta la fecha, y aún así no pudo triunfar comercialmente. Eggers no se unirá a una gran franquicia en el corto plazo, eso sí, no debería hacerlo, pero ¿qué significa la decepción de taquilla de The Northman para sus futuros esfuerzos como director? Su película de Nosferatu parece estancada en el infierno del desarrollo, y después de La bruja , El faro y El hombre del norte, ¿algún estudio estará dispuesto a respaldar su marca de ambiciosas producciones artísticas?
Súper autores
Los autores han encontrado un nuevo hogar en el género de los superhéroes. Las huellas de este matrimonio improbable se remontan a la revolucionaria trilogía de Spider-Man de Sam Raimi y la versión noir e hiperrealista de Nolan del Caballero de la Noche. Recientemente, Marvel y DC han mostrado especial interés en presentar directores respetados en sus respectivos universos cinematográficos. The Batman de Matt Reeves revitalizó con éxito al Caped Crusader siguiendo el regusto amargo de Batman v Superman y Justice League . La película abandona cualquier rastro de travesuras heroicas absurdas en favor de un thriller al estilo de Fincher que funciona porque finalmente muestra a Batman como el detective más grande del mundo. Al equilibrar temas importantes sin exagerar con su examen, The Batman replantea al Murciélago como un símbolo de esperanza, lejos del camino cada vez más oscuro por el que lo llevaron Nolan y Zack Snyder.
Las incursiones de Marvel en territorio de autor han tenido menos éxito. Eternals de Chloé Zhao luchó por equilibrar el enfoque naturalista y humanista del director con la fábrica de construcción de mundos de MCU, entregando una película desigual que nunca cumple del todo las promesas que hace. Del mismo modo, Doctor Strange in the Multiverse of Madness de Sam Raimi presenta todo lo que los fanáticos esperan de una producción de Raimi; de hecho, el estilo del director se vuelve aún más obvio contra la fórmula estandarizada de MCU, incluso en su forma más restringida, pero no logró crear una progresión lógica entre su narración y el canon siempre cambiante de Marvel.
Y luego está James Gunn. Podría ser generoso llamarlo autor, pero la obra del director está a la altura del término. Gunn encontró un gran éxito comercial y de crítica con Guardianes de la Galaxia en Marvel, tomando lo que solía ser una propiedad de la lista B y convirtiéndola en uno de los pilares de la MCU y la base de su rincón cósmico. Su trabajo en DC, desenfrenado y sin disculpas, reforzado por la calificación R que Marvel nunca le otorgará, recibió elogios de la crítica universal. De hecho, The Suicide Squad y Peacemaker son las entradas más refrescantemente subversivas del DCEU y dos de las mejores adaptaciones de cómics de todos los tiempos. Sin embargo, las audiencias parecen divididas sobre su lado más audaz; The Suicide Squad fue una decepción de taquilla , particularmente a nivel nacional. Peacemaker regresará para una segunda temporada, pero los números infames y secretos de HBO Max hacen que sea difícil declararlo un éxito.
Un futuro incierto para los éxitos de taquilla de autor
Con el género de los superhéroes dominando todos los rincones del panorama de la cultura pop y las franquicias a la orden del día, ¿es este el nuevo camino para el cine de autor de gran presupuesto? ¿Podemos esperar la película de Star Trek de Quentin Tarantino que se rumorea desde hace mucho tiempo más temprano que tarde? ¿Terry Gilliam viajará a una galaxia muy, muy lejana o Michael Haneke convertirá a los Cuatro Fantásticos en un drama familiar discordante? Dios nos libre. Es realmente aterrador pensar que el negocio del cine se dirige en esa dirección. Después de todo, si The Northman ni siquiera recuperó su presupuesto mientras Spider-Man: No Way Home recaudó casi $ 2 mil millones, ¿qué apoyará un ejecutivo de estudio?
No hay nada malo con las películas comerciales. Proporcionan un escapismo muy necesario en un mundo donde las noticias sombrías están a la orden del día. Pero cuando el panorama comercial cambia para recompensar solo la narración más segura y básica, ¿hay lugar para algo que rompa el molde? Debería haber. Siempre habrá audiencias interesadas en algo tan brutal como The Northman ; la pregunta es, ¿debería una película con un objetivo de nicho de este tipo requerir un presupuesto de $ 70 millones? No es una cuestión de "¿para quién es esta película?" porque el arte no debería tener que justificar su existencia; la industria del cine sigue siendo en gran parte un negocio de entretenimiento y negar eso es una tontería.
No todas las películas pueden ser Dune ; de hecho, es la excepción, no la regla. Pero la industria necesita apoyar los esfuerzos más ambiciosos de los autores porque eso es lo que los convierte en autores. A cambio, necesitan cumplir con su audiencia a mitad de camino, especialmente si quieren un presupuesto de $70 millones para hacer realidad su visión. Everything Everywhere All at Once es el ejemplo perfecto de una película ambiciosa y en capas que es innegablemente entretenida sin dejar de ser rica y conmovedora, logrando abrirse paso entre el público general. El compromiso es crucial para una existencia sana; resulta que también podría ser la clave para el éxito comercial del cine de autor. ¡Qué concepto!