10 películas clásicas del viejo Hollywood para principiantes
Los clásicos son clásicos por una razón: muchas de las películas más importantes e influyentes jamás realizadas surgieron de la Edad de Oro de Hollywood. Abarcando desde la década de 1920 hasta principios de la de 1960, estas obras fundamentales darían forma y definirían cómo sería el Hollywood moderno y el cine en general. Para cualquier persona interesada en estas obras maestras críticas, hay algunas que deben considerarse de visita esencial.
Desde la fantástica El mago de Oz hasta la romántica Casablanca , las mejores películas del Viejo Hollywood para principiantes son obras cruciales, pero accesibles, que todavía son ampliamente celebradas y referenciadas en la actualidad. Estas 10 películas en particular son clásicos atemporales que capturan el espíritu de la época dorada de Hollywood y transportan fácilmente al público a una época diferente.
Lo que el viento se llevó (1939)
Con el telón de fondo de la Guerra Civil estadounidense y la era de la Reconstrucción, Lo que el viento se llevó es una historia épica que sigue principalmente a Scarlett O'Hara (Vivien Leigh), la obstinada hija de un rico propietario de una plantación en Georgia. Representa su fallida búsqueda de un romance con Ashley Wilkes (Leslie Howard), quien ya está casada con su prima, y luego su relación con Rhett Butler (Clark Gable). El matrimonio de Scarlett y Rhett resulta tumultuoso ya que ella continúa añorando a Ashley a pesar de tener su propia familia.
La adaptación del director Victor Fleming de la novela de Margaret Mitchell de 1936 ciertamente intenta hacer justicia a su amplia historia con la duración de casi cuatro horas de la película, lo que la convierte en una de las películas de Hollywood más largas jamás realizadas . Por supuesto, vale la pena señalar que su controvertida interpretación del Sur anterior a la guerra y la esclavitud ha envejecido mal, aunque no se puede negar que la película todavía ofrece una visión fascinante de las técnicas cinematográficas y las actitudes culturales de la década de 1930. Además, la infame frase de Gable “Francamente, querida, me importa un comino” es una frase que se ha convertido en una parte permanente de la historia del cine.
Historia del lado oeste (1961)
Antes de la versión 2021 de Steven Spielberg , estaba la reconocida película de 1961 de los directores Robert Wise y Jerome Robbins, que todavía ostenta el récord de mayor cantidad de premios Oscar para un musical. La versión moderna de Romeo y Julieta de William Shakespeare transporta la historia a las arenosas calles de la ciudad de Nueva York de la década de 1950, donde hay una intensa rivalidad entre dos pandillas callejeras de adolescentes: los Jets, un grupo de jóvenes blancos liderados por Riff (Russ Tamblyn), y los Sharks, una pandilla puertorriqueña liderada por Bernardo (George Chakiris). En medio del caos, surge un romance prohibido entre Tony (Richard Beymer), un ex Jet, y María (Natalie Wood), la hermana de Bernardo.
West Side Story ganó 10 premios de la Academia, incluida la de Mejor Película, e inmediatamente estableció un nuevo estándar para los musicales. Modernizó el cuento de Shakespeare con letras inteligentes y números deslumbrantes, y cada pieza presenta un gran valor de producción. Además de todo eso, la película de 1961 ofrecería una mirada profunda a temas actuales como el racismo y la muerte del sueño americano, marcada por los trágicos destinos de los personajes principales.
Es una vida maravillosa (1946)
Es una vida maravillosa es un clásico navideño atemporal que es probable que algunas familias todavía vean en Nochebuena . Dirigida por Frank Capra, la película de 1946 cuenta la conmovedora historia de George Bailey (James Stewart), un hombre de buen corazón que, en Nochebuena, se enfrenta a una crisis financiera que podría conducir a su arresto. Mientras contempla el suicidio, el ángel Clarence Odbody (Henry Travers) interviene mostrándole a George cuán diferente sería el mundo si él nunca hubiera nacido.
Un clásico conmovedor y edificante, It's a Wonderful Life resalta el valor de las pequeñas cosas que hace la gente a través de la conmovedora historia de George. A medida que el protagonista se da cuenta del profundo impacto que ha tenido en las vidas de quienes lo rodean, descubre cuán importante es realmente su propia existencia. Es una comprensión conmovedora que solo crece a medida que la gente del pueblo se une para apoyar al personaje, ofreciendo una conclusión saludable e inspiradora a una historia que seguramente será apreciada por las generaciones venideras.
Bulevar del atardecer (1950)
Hollywood a menudo puede estar en su mejor momento cuando se critica a sí mismo, y no hay mejor ejemplo clásico de esto que Sunset Boulevard del director Billy Wilder. Esta película de 1950, a la vez comedia negra y cine negro, retrata la loca historia del inesperado encuentro del guionista Joe Gillis (William Holden) con la olvidada estrella del cine mudo Norma Desmond (Gloria Swanson). Norma está convencida de que puede regresar, por lo que Joe acepta editar su enrevesado guión, con la esperanza de manipularla en el proceso. Termina obteniendo más de lo que esperaba.
Sunset Boulevard es una excelente descripción de lo peor de Hollywood, con una película sardónica y satírica que subraya los peligros de la fama y la obsesión. El mundo delirante de Norma se hace creíble gracias a una fascinante actuación de Swanson, cuyo personaje desquiciado captura el espíritu de una industria implacable y en constante cambio. ¿Cuánto están dispuestas a dar las celebridades para mantener su estrellato? Al menos para Norma Desmond, cualquier cosa vale la pena para su próximo “primer plano”.
Cantando bajo la lluvia (1952)
Uno de los mayores cambios en Hollywood fue la transición del cine mudo al cine sonoro o sonoro, y algunos de los desafíos que presentó ese cambio se capturan de manera experta en Singin' in the Rain, de 1952. Dirigido por Gene Kelly y Stanley Donen, el musical se centra en Don Lockwood (Kelly), una gallarda estrella del cine mudo, cuya carrera se ve amenazada por la llegada del sonido. Junto a su mejor amigo, Cosmo Brown (Donald O'Connor), y su interés amoroso, Kathy Selden (Debbie Reynolds), hace todo lo posible para adaptarse a la nueva tecnología. Una trama secundaria importante involucra a Lina Lamont (Jean Hagen), la coprotagonista de Don con una voz estridente inadecuada para el cine sonoro, lo que complica su último proyecto cinematográfico. ¿La solución? Kathy dobla las líneas de Lina, lo que no va muy bien.
Aún considerado uno de los mejores musicales jamás realizados , Singin' in the Rain es una excelente introducción al viejo Hollywood, con su mirada aguda pero cómica en un momento crucial en la historia del cine. Además, acaba de envejecer como un buen vino, gracias a sus icónicos números musicales que todavía hoy son una maravilla de ver por primera vez. Esto ciertamente incluye el baile espontáneo de Kelly bajo la lluvia torrencial, que fue filmado y coreografiado impecablemente y que finalmente se convirtió en sinónimo de la película misma.
Ciudadano Kane (1941)
"Capullo de rosa." Esa palabra tendría un efecto indeleble en la historia del cine, y ahora Charles Foster Kane (Orson Welles) es recordado como uno de los personajes más importantes del cine. La película cuasi biográfica también dirigida por Welles narra la vida del protagonista principal como un magnate periodístico rico e influyente, con la historia contada como una serie de flashbacks desencadenados por esa misteriosa última palabra. El reportero Jerry Thompson (William Alland) tiene como misión comprender el significado de "Rosebud", entrevistando a quienes conocieron íntimamente a Kane, incluidos su mejor amigo y esposa.
Las técnicas narrativas y visuales de Citizen Kane pueden ser comunes ahora, pero fue el pionero el que ayudó a hacer posibles lo que ahora son tropos en el cine. Desde el uso de narraciones no lineales y dispositivos expositivos innovadores hasta su cinematografía de enfoque profundo y una iluminación distintiva, la película de 1941 influiría en innumerables cineastas y remodelaría el futuro del cine. Eso sin mencionar su innovadora historia basada en personajes que abrazaría el existencialismo y al mismo tiempo serviría como una crítica mordaz del sensacionalismo mediático.
Lawrence de Arabia (1962)
El director David Lean produjo una de las mayores epopeyas de todos los tiempos con Lawrence de Arabia de 1962, que narra la vida del personaje histórico de la vida real TE Lawrence (Peter O'Toole). El oficial del ejército británico surgió como una leyenda después de sus acciones durante la Primera Guerra Mundial, donde inicialmente fue asignado para evaluar las perspectivas de la revuelta del Príncipe Faisal (Alec Guinness) contra los turcos. Abrazando la cultura árabe y demostrando un liderazgo excepcional, Lawrence une a las diversas tribus árabes y las lidera en una guerra de guerrillas contra el Imperio Otomano.
Lawrence de Arabia captura vívidamente la transformación del protagonista de un soldado más a un líder descomunal, con O'Toole interpretado impecablemente como el complicado personaje. Su historia se desarrolla en impresionantes escenas pre-CGI, con miles de extras y una meticulosa artesanía para garantizar que cada fotograma esté a la altura de la gravedad de la poderosa historia de la película. Su brillantez técnica garantiza que la película seguirá disfrutando de su legado como una epopeya atemporal con una escala monumental que es casi imposible de replicar.
Psico (1960)
Psycho es un hito tanto en el género de terror como en el cine en su conjunto. La obra más famosa e importante del director Alfred Hitchcock comienza con una secretaria que huye, Marion Crane (Janet Leigh), que malversó dinero de su empleador con la esperanza de comenzar una nueva vida con su novio. Mientras huye, se detiene en el Motel Bates, administrado por el extraño Norman Bates (Anthony Perkins), que vive con su dominante madre en la casa que da al motel. Pronto queda claro que descansar allí fue un error.
Hubo horror antes de Psicosis , y luego hubo horror después, con la película de 1960 superando el límite en cuanto a qué tipo de sexualidad, desviación y violencia se podía retratar en la pantalla grande. También tendría un efecto dominó en el género, como se ve en las narrativas y técnicas posteriores que se inspirarían directamente en la película. La dirección de Hitchcock elevaría a Psicosis a un estatus legendario, con el cineasta infundiendo cada segundo un suspenso palpable y una atmósfera espeluznante que hace que sus momentos más impactantes sean aún más efectivos. Muchos de estos se convertirían en pilares de la cultura popular, incluida la infame escena de la ducha.
El mago de Oz (1939)
El mago de Oz, del director Victor Fleming, es un clásico querido que redefinió el cine de fantasía. Sigue a Dorothy Gale (Judy Garland), una joven de Kansas que es arrastrada por un tornado a la mágica tierra de Oz. Allí, intenta encontrar al Mago de Oz (Frank Morgan) para que la ayude a regresar a casa mientras hace nuevos amigos en el camino: el Espantapájaros (Ray Bolger), que quiere un cerebro; el Hombre de Hojalata (Jack Haley), que desea un corazón; y el León Cobarde (Bert Lahr), que busca coraje. Juntos, caminan por el camino de ladrillos amarillos y pronto se encuentran con la Malvada Bruja del Oeste (Margaret Hamilton).
Puede que El Mago de Oz no haya sido la primera película en utilizar Technicolor, pero definitivamente fue la que la llevó a un público más amplio y marcó una nueva era en el cine. Dentro del impactante mundo visual de la galardonada película de fantasía hay una historia igualmente impresionante de coraje y amistad, con la actuación de Judy Garland, en particular su interpretación de Over the Rainbow , convirtiéndose rápidamente en una piedra angular de esa era de Hollywood. Puede que se haya estrenado en 1939, pero el público moderno puede sorprenderse al sentirse conmovido y encantado por la magia duradera de Oz.
Casablanca (1942)
"Te están viendo, niño." Más de 80 años después de su estreno, Casablanca sigue siendo una de las películas más citables, mejor escritas y románticas de todos los tiempos. Ambientada durante la Segunda Guerra Mundial, la película sigue a Rick Blaine (Humphrey Bogart), un expatriado estadounidense propietario de un club nocturno en la ciudad marroquí titular. Su mundo da un vuelco cuando su ex amante, Ilsa Lund (Ingrid Bergman), entra a su club con su marido, Victor Laszlo (Paul Henreid), un reconocido líder de la resistencia. Ilsa y Víctor buscan un pasaje seguro a Estados Unidos para continuar su lucha contra los nazis, y Rick tiene la llave para escapar.
Casablanca es el ejemplo perfecto de uno de esos tipos de películas en las que todo se junta en el momento exacto para crear una obra maestra. El guión es impecable, la química entre Bogart y Bergman es increíble y el momento es perfecto. El dilema moral de Rick sobre sus decisiones durante la guerra y el drama del triángulo amoroso que no pudo evitar fueron apasionantes en ese entonces y continúan haciendo que el clásico sea una visita obligada en la actualidad. Esto es especialmente cierto para los espectadores que recién se están adentrando en los grandes éxitos de la Edad de Oro de Hollywood, ya que Casablanca debería estar en la cima de esa lista de vigilancia.